La peinture est-elle aussi élitiste qu’on pourrait le penser ?

George Condo au travail en train de peindre une toile dans le documentaire «The Price of Everything» (Le prix de tout). Le film montre comment le marché de la peinture, plus que toutes les autres formes d’art, ne cesse de croitre. (source HBO)

Le documentaire The Price of Everything  nous emmène dans la réalité alternative du marché de l’art international. Le film, réalisé par Nathaniel Kahn, met en vedette certains des artistes, collectionneurs, critiques et marchands les plus influents du monde de l’art.

Lors d’une rencontre avec Jeff Koons dans son studio de haute technologie, nous pouvons apercevoir la célèbre artiste américano-nigériane Njideka Akunyili Crosby suivre en ligne la mise aux enchères à 900 000 $ d’une de ses peintures.

Le film de M. Kahn montre avec éloquence comment la peinture, par-dessus toutes les autres formes d’art, fait bouillir le marché de l’art. The Price of Everything se termine, avec raison par un Léonardo de Vinci vendu pour 450,3 millions de dollars lors d’une vente aux enchères d’art contemporain.

«Le problème d’un tableau, c’est qu’il est unique. Vous avez la main de l’artiste. Vous pouvez le posséder, vous pouvez le transporter. Il peut générer de la valeur, il vit dans son propre monde », a déclaré Tom Eccles, directeur du Center for Curatorial Studies du Bard College à New York.

Mais la domination commerciale de la peinture a provoqué quelques réactions. Certains considèrent que les autres médias sont plus en phase avec notre temps.

L’allemande Anne Imhof a remporté le Lion d’or à la Biennale de Venise. Le cinéaste Clément Cogitore a remporté le Prix ​​Marcel Duchamp. Et les quatre artistes sélectionnés pour le prix britannique Turner 2018 ont utilisé la vidéo ou le film comme support. Le monde de l’art institutionnel semblerait se distancer du marché. Mais paradoxalement, en privilégiant la performance et la vidéo, ces institutions sont confrontées à leurs propres problèmes d’exclusivité.

L’artiste multidisciplinaire basée à Glasgow, Charlotte Prodger, annoncée comme lauréate du 34th Turner Prize. était représentée à l’exposition de la Tate Britain par le film de 33 minutes : «Bridgit». Cette œuvre entièrement tournée avec un iPhone est une méditation autobiographique sur la sérénité, l’identité et le temps. La vidéo met en avant des scènes énigmatiques de l’appartement de l’artiste, une  forêt, un pont de bacs et une rangée de pierres dressées.

«Bridgit», comme presque toutes les autres vidéos de l’exposition Turner Prize, ne pouvait être visionné qu’en totalité dans la galerie et n’était pas disponible en ligne. Des restrictions similaires s’appliquent à la célèbre vidéo de 24 heures de Christian Marclay, «The Clock».

Lisa Panting, cofondatrice de Hollybush Gardens a déclaré que «Bridgit» avait été produit en trois éditions. Des versions ont été vendues au Arts Council of England, un organisme public qui finance des manifestations culturelles, et à la Gallery of Modern Art de Glasgow, pour moins de 50 000 £ chacune, selon Mme Panting.

Dans son essai novateur de 1936 intitulé «The Work of Art in the Age of Mechanical Production » (L’œuvre d’art à l’ère de la production mécanique), le philosophe Walter Benjamin a écrit comment «l’aura» d’une œuvre d’art originale «se fane» plus elle est reproduite. Mais maintenant, à l’ère numérique, les illustrations haute résolution sont devenues si précises et omniprésentes que nous avons le sentiment de « connaître » certaines œuvres d’art, en particulier les peintures, sans les voir dans leur version original. En revanche, les créateurs de vidéos ou de performances peuvent sentir que leur travail est diminué par la reproduction en masse.

Le marché de l’art et les institutions publiques peuvent parfois sembler être des mondes lointains. D’un coté on fétichise le prestige historique de la peinture, et de l’autre, l’expérimentation multidisciplinaire. Mais bien sûr, les deux mondes se chevauchent tout le temps.

L.B.

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